Joel Edgerton parle de Train Dreams, Timothée Chalamet et de la panique au box-office

Une soirée d’ouverture mémorable au Middleburg Film Festival #

Au cœur de la fête d’ouverture du Middleburg Film Festival, Joel Edgerton s’accroupit sur une table de cocktail, feuilletant le programme officiel de l’événement. Sur chaque page, il montre un ou deux films qu’il a hâte de voir, des gagnants de prix internationaux comme No Other Choice et It Was Just an Accident à des films américains à star comme A House of Dynamite et Springsteen: Deliver Me From Nowhere. “Je veux voir ça, je veux voir ça, je veux voir ça,” répète-t-il, trouvant encore plus d’enthousiasme avec chaque nouvelle découverte. Malheureusement, il ne pourra rien visionner. Il est arrivé en Virginie pour accepter le prix d’Excellence dans l’Interprétation du festival, et non pour vérifier la (gentille) concurrence.

Un film au succès mérité #

Ce n’est pas un mauvais problème à avoir. Comme Edgerton le dit à The Hollywood Reporter autour d’un café le lendemain après-midi, le circuit permet à Train Dreams, son petit film prometteur, de prospérer. Alors qu’il a sauté de Toronto à Londres puis dans le sud des États-Unis — une campagne agressive pour la saison des prix qui mènera à une petite sortie en salles le 7 novembre, puis au lancement de Netflix le 21 novembre — le drame lyrique se révèle être un succès de bouche à oreille. Il semble en entendre parler partout où il va. Il se distingue comme le joyau caché dans l’emploi du temps chargé du service de streaming, qui est placé sous le signe de stars comme George Clooney (Jay Kelly) et Jacob Elordi (Frankenstein).

Réalisé par le candidat aux Oscars Clint Bentley, Train Dreams a été présenté en première à Sundance après un parcours de production difficile. Adapté de la nouvelle de Denis Johnson, il suit Robert Grainier, un bûcheron travaillant à la construction d’une ligne de chemin de fer qui traversera les États-Unis au tournant du 20ème siècle. L’étude de caractère silencieuse et émotive retrace toute la vie de Robert, examinant ses rencontres avec l’amour et la perte, le mariage et la parentalité, l’amitié et la rivalité. Edgerton ancre le film avec une assurance et une présence remarquables — on a l’impression que ce rôle est celui vers lequel la star australienne a travaillé toute sa carrière.

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Un acteur en réflexion #

Il semble d’accord, bien que le film n’ait pas été facile à réaliser et ait beaucoup coûté à Edgerton. “Train Dreams est le plus personnel que je me sois permis d’être à l’écran,” dit-il. “Je n’ai pas vécu toutes les choses que Robert a vécues, mais j’y ai réfléchi et elles vivent en moi.” Alors que le buzz autour des récompenses s’intensifie pour sa performance tendre dans le film, cela marque également un moment intéressant de réflexion pour l’acteur, qui a vécu de nombreuses vies à Hollywood mais a l’impression de enfin trouver son rythme. “Je me considère comme assez sensible au monde et assez observant des choses qui m’entourent,” dit-il. “Je me sens capable — et pas toujours en contrôle des choses.”

Ce film parle de la vie qui nous passe sous le nez alors que nous luttons pour garder nos proches près de nous. J’imagine que c’est quelque chose auquel un acteur qui est souvent en mouvement peut s’identifier.

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Harmoniser le travail et la famille — je pense que les gens peuvent s’y relier même si leur travail est à 45 minutes de route. Une des grandes raisons pour lesquelles je suis acteur a été de chercher l’attention de mon père qui était toujours occupé. Il travaillait, il démarrait une entreprise ; il partait tôt le matin, et beaucoup de soirées dans la semaine, je ne pouvais pas lui dire bonne nuit. J’étais déjà endormi.

Le point de vue adulte lutte avec la culpabilité et la question de savoir à quel point on est un bon parent si on n’est pas toujours face à eux, parce que les enfants ne veulent qu’un contact. J’ai réalisé que, par exemple, je ne pouvais pas réaliser un autre film tant que mes enfants n’étaient pas bien installés à l’école. Si je pouvais passer du temps avec eux, je le voulais, et il était plus facile d’être acteur que d’avoir la pleine responsabilité de la réalisation. Je savais que ça me prendrait plus mentalement.

Votre travail dans Train Dreams est si silencieux et délicat, et je vous ai toujours considéré comme un grand acteur non verbal, notamment dans Loving.

C’était aussi une nouvelle expérience pour moi [durant Loving], d’une certaine manière. J’ai commencé à penser : “Que signifierait-il d’avoir beaucoup à dire mais de ne pas le dire ? Que serait-il de se sentir poussé par le monde et vouloir s’y opposer, mais de ne pas savoir comment ?” Robert est un peu comme ça [dans Train Dreams]. J’ai déjà eu cette expérience, et c’était bon d’y repenser avec Jeff Nichols en abordant cela et de réaliser qu’il faut une autre sorte de concentration et de confiance pour demander à un public de vous suivre sans trop de mots pour leur donner certains indices.

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Vous avez eu un autre projet indépendant très intéressant avec The Plague qui a fait ses débuts cette année à Cannes. Qu’est-ce qui vous pousse à dire oui à des films qui ne paient pas autant et qui sont plus difficiles à réaliser — et à sortir ?

Je sens que j’ai quelque chose à apporter à un niveau de production plus petit. Je pourrais certainement trouver ma place dans un plus grand film, mais peut-être que c’est mon ego qui me dit que je participerai plus à la quête créative si je suis impliqué dans un projet à petit budget — que ce soit en le réalisant, en aidant à le produire ou en occupant l’écran. Mais il y a une autre chose qui se passe. Je suis arrivé à un certain âge et j’ai pu regarder tout le travail que j’ai fait, que je n’ai jamais pensé pouvoir réaliser — j’ai réussi à travailler pendant longtemps sur une variété de choses différentes. Mais quand je voulais y avoir accès, il y a tant d’années, je souhaitais avoir accès à des personnes pour m’aider, m’apprendre à y arriver plus rapidement, m’aider à réaliser les films que je voulais.

Un ami m’a donné [le scénario de Charlie Polinger pour The Plague] et a dit : “Je pense que ce scénario te plaira.” J’ai demandé un autre scénario qu’il avait écrit. J’ai réalisé qu’il y avait ce gars qui était un très bon écrivain et qui avait réalisé des courts métrages prouvant qu’il pouvait réaliser ses visions. J’ai compris que je pouvais l’aider à réaliser le film. Je me suis dit : “D’accord, je vais jouer ces cinq scènes dans le film, l’aider à obtenir le financement et aussi lui présenter des personnes qui peuvent lui donner de l’argent.” Je peux dire que j’étais là dès le tout début. Comme Michael Shannon l’était pour Jeff Nichols, vous voyez ce que je veux dire ?

Cela me rappelle le fait que vous avez joué Falstaff aux côtés de Timothée Chalamet dans The King il y a quelques années. À ce moment-là, il était juste en train de commencer à connaître la célébrité. Avez-vous eu l’occasion de jouer un rôle de mentor là-bas ?

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Le monde a très vite reconnu le talent de Timmy, mais pas tout le monde. Je me souviens que [le réalisateur] David Michôd a dû éduquer certains. Certaines personnes disaient : “Il peut passer les auditions comme tout le monde,” et c’est comme : “Non, non, non. Nous le voulons juste. S’il veut le faire, nous le voulons.” Quelques mois plus tard, pourtant, Timmy débordait d’énergie. C’était comme un cheval de course aux portes qui avait déjà couru quelques courses, mais il était jeune et prêt à s’imprégner du monde. Pour être honnête, je ne vois pas de changement là-dedans. En entendant son discours aux SAG Awards cette année, je me suis dit qu’il était toujours sur le même plein d’énergie. C’est le gars que je connaissais. La seule différence, c’est qu’il a maintenant une richesse d’expérience et a prouvé à maintes reprises qu’il est excellent et intelligent en tant qu’acteur.

Vous vous êtes identifié à ce sentiment qu’il a exprimé aux SAG Awards, sur la poursuite de la grandeur ?

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100 pour cent. Écoutez, je garantis que cette note d’harmonie a résonné dans le cœur de la plupart des acteurs qui regardaient, pensant : “J’aimerais avoir le courage de dire cela.” Mais appeler réellement votre propre ambition sans fierté et dire : “Écoutez, je veux être grand.” C’était excellent. L’Australien en moi pouvait comprendre pourquoi certaines personnes se sentiraient réticentes à parler ainsi — à penser certaines choses, mais à ne pas être autorisées à les dire à haute voix culturellement. Mais j’adore qu’il l’ait dit ; cela correspond à qui il est. Et il le réalisera. Je veux dire, il a déjà réalisé cela, mais j’adore que vous puissiez voir l’ignition en lui.

Vous avez déjà parlé très ouvertement de projets pour lesquels vous vous êtes battu et n’avez pas été choisi, comme Bourne ou Guardians of the Galaxy. Y a-t-il quelque chose que vous avez appris sur vous-même en tant qu’acteur à travers le rejet ?

Il y a 15, 20 ans, j’ai eu une conversation vraiment sympathique un jour avec Peter Weir, qui a décrit le casting de la manière la plus excellente. Il décrit le rôle dans le film comme un crime qui a été commis, et trouver le bon acteur pour le jouer c’est comme trouver la personne qui a commis le crime. Il a dit qu’en plus de 90 % des cas, vous obtenez le suspect le plus probable — mais de temps en temps, quelqu’un entre dans la pièce avec du sang sur les mains. La personne exacte qui devrait jouer ce rôle, comme The Rock jouant Mark Kerr [dans The Smashing Machine]. Tout s’emboîte. Cela a changé la façon dont je voyais le rejet parce qu’il a poursuivi en disant, “Parfois, je ne choisirai pas le meilleur acteur. Parfois, cela dépend de votre physiognomie et de tous ces aspects qui échappent à votre contrôle.” Chaque fois que je parle à de jeunes acteurs à propos des auditions, je leur dis : “Ne laissez jamais un non gâcher votre mojo. Je m’en fiche de ça. Continuez à croire en vous et faites ce que vous savez faire, et à un moment donné, vous aurez du sang sur vos mains.”

Il y a des années, Michael Apted faisait un film [Amazing Grace] et il avait besoin de quelqu’un pour jouer le plus jeune Premier ministre du Royaume-Uni. J’ai fait deux auditions pour lui, puis je n’ai pas obtenu le rôle. Cela a été attribué à Benedict Cumberbatch. C’était aussi un jeune acteur à l’époque, et je me suis dit : “Oh, Benedict est en fait allé à la même école que le personnage a grandi, il a traversé le système scolaire privé au Royaume-Uni.” Il avait le sang sur les mains. Je devais me forcer à aller à cet endroit. Maintenant, la majeure partie de ma carrière, j’ai passé beaucoup de temps à m’étirer pour correspondre à la peau d’un personnage — John Connolly dans Black Mass, Tom Buchanan dans Gatsby, ces rôles sont amusants, et c’est ce que j’ai toujours aimé faire. Mais avec Train Dreams, je pouvais juste me présenter au travail et ouvrir ma poitrine pour que les gens sachent ce que je ressens vraiment sur les choses.

Avec certains de ces projets plus importants qui ne sont pas allés dans votre sens, tant de choses entrent en jeu dans le casting qui échappent même au contrôle du réalisateur, n’est-ce pas ?

Et c’était un peu décourageant — c’est peut-être naïf de ne pas en être conscient, de comprendre que vous êtes une spécificité sur le marché du film. Vous êtes sur cette liste ou sur cette liste légèrement inférieure et votre valeur est celle-ci, et cela devient la prochaine raison pour laquelle vous n’êtes pas engagé dans quelque chose — au lieu de dire : “Avez-vous fait une bonne audition ou pas ?” C’est juste comme : Vous n’additionnez pas. Vous ne rapportez pas le montant d’argent à une production que ce groupe de personnes pourrait apporter, donc ils vont choisir ce gars à la place de vous. Et puis une année, vous vous réveillez soudainement et vous réalisez que vous avez peut-être glissé sur la liste en dessous de vous. C’est comme un sport de sang.

C’est un bon argument pour prendre le contrôle de votre propre destin.

Oui. Avec Train Dreams, par exemple. J’ai simplement eu un instinct viscéral que Clint allait réaliser quelque chose de plus que spécial. Nous étions sur le point de tourner à l’automne jusqu’en hiver, et la grève nous a dit que nous n’étions pas autorisés à le faire, alors nous avons dû ranger nos jouets et rentrer chez nous. Nous n’étions pas encore arrivés en pré-production, mais j’étais prêt à voler à Spokane. Sachant que nous avions besoin du changement saisonnier, nous avons dû attendre six mois. J’avais des gens qui venaient vers moi avec des opportunités ; je disais : “Non, je garde ça sacré.” Toutes les agences et ces personnes n’essayaient pas de me dissuader de travailler avec Clint, mais elles disaient : “C’est quelque chose que vous pourriez faire en attendant.” Je me disais : “Je dois être prêt à 100 % pour Clint et je vais amener ma barbe avec moi, donc je ne vais pas la couper.” Je voyais pourquoi les gens disaient : “Oh, ce ne sera pas nécessairement bénéfique pour vous de tourner un petit film dans les bois.”

Les gens essayaient de me dissuader d’aller en Australie pour tourner Animal Kingdom. “Il se passe plein de choses en Amérique !” Je disais : “Oui, mais c’est un ami à moi et je pense que c’est l’un des meilleurs scénarios que j’ai jamais lus. Je vais le faire.” Et puis, après tout ça, tout le monde disait : “Je suis vraiment content de t’avoir encouragé à le faire.” C’est comme, “Foutez-vous.”

Vous avez réalisé votre premier long métrage, The Gift, après 40 ans — comment décririez-vous votre inspiration en tant que cinéaste ?

J’écris des histoires sur des personnes qui font des erreurs, puis travaillent pour corriger ces erreurs. Je fais un petit clin d’œil à mon éducation catholique comme peut-être une dimension de cela. Dans Boy Erased, le personnage de Nicole Kidman est cela pour moi — elle fait une erreur en adhérant à une idéologie religieuse, au point de vue de son mari sur la situation, et passe le film à réaliser qu’elle peut tracer son propre chemin et lutter contre tout cela. The Gift est l’opposé : le personnage de Jason Bateman refuse de corriger une erreur. Je suis intéressé par les êtres humains et la façon dont ils chutent et leur relation au bien et au mal.

Avec Boy Erased, je pense à ce qui se passe actuellement aux États-Unis, avec la Cour Suprême qui devrait introduire une nouvelle vague de thérapie de conversion gay—

—Cela me donne vraiment envie de faire un nouveau montage de Boy Erased.

Comment ça ? 

Nous y pensons beaucoup et j’ai eu quelques conversations à ce sujet. Nous avons tellement de séquences qui n’ont pas été intégrées au film, des thérapies et divers personnages. Si nous voulions sortir ce matériel d’une manière différente — pas nécessairement recouper le film. Comme nous pourrions faire une série de six épisodes de trente minutes. Il y a tellement plus de choses que nous avons tournées.

Lorsque j’ai réalisé The Plague, je regardais très sérieusement la peur que j’ai, dans dix ans, de savoir comment mon fils et ma fille seront dans le monde avec d’autres personnes. De quel côté de l’équation bonté-cruauté vont-ils tomber ? À quel moment vont-ils apprendre qu’ils peuvent blesser d’autres personnes ? À un moment, nous réalisons que nous n’allons pas vivre éternellement — nous pourrions avoir un accident ou quelque chose, nous réalisons donc que nous sommes mortels — mais nous atteignons également un moment où nous voyons comment nous pouvons affecter les autres.

Je voulais vous poser une question sur le lancement de Train Dreams. Ce film a été présenté en première à Sundance et continue de prendre de l’ampleur environ 10 mois plus tard. Que pensez-vous de la façon dont il a pu continuer, au milieu de tout le bruit ?

Le film est tellement universel, et si les gens sont suffisamment patients pour le regarder ou si suffisamment de gens leur disent qu’ils devraient le regarder, il aura un public. Je serais le pire directeur de studio de tous les temps, car pour moi, c’est l’avenir du cinéma pour toujours. Une de mes histoires préférées dans ma vie est Warrior, et je sais que Lionsgate était probablement ennuyé à l’époque. Cela n’a pas rapporté d’argent. Mais maintenant, plus que n’importe lequel de mes films, quand je voyage à l’aéroport, les gens viennent me parler [de ce film] — ce film continue d’être regardé et partagé et fait ses preuves dans le temps. Si un film se maintient et dure et continue de parler aux gens dans 10, 20, 30 ans, c’est le type de film sur lequel je veux me retourner et dire : “J’étais impliqué dedans.”

Que ce soit rentable lors de la première semaine, à moins qu’une partie de cet argent ne se retrouve dans mon compte bancaire, ça m’importe peu. (Rires.) Le sentiment est : je veux que le plus de gens possible regardent les films que je fais. Si c’est durant la première semaine, tant mieux. Mais si c’est sur 15 ans, alors c’est presque plus un compliment pour le film que [le box-office] qui explose durant le premier week-end.

C’est ce qu’on aborde à propos de One Battle After Another. Il y a des rapports récents qui indiquent que cela semble susceptible de perdre de l’argent cette année, mais si vous regardez la réception — elle est conçue pour durer.

Est-ce que Bob Machin-truc dans une petite ville de l’Illinois se soucie vraiment de combien coûte One Battle After Another ? Non. Il se soucie de savoir si c’est intéressant à regarder ? Ce film, dans mon esprit, est un succès parce qu’il n’est pas basé sur une super IP. C’est un grand drame qui est aussi drôle, qui est dynamique — et c’est au cinéma. C’était le numéro un au box-office pendant combien de semaines ? Je ne sais pas, mais pour moi, c’est un succès. Le fait qu’ils aient dépensé un peu d’argent de plus pour cela ? [Hausse des épaules] Encore une fois, je serais un terrible directeur de studio.

Ou peut-être que vous ne le seriez pas ! À votre avis, avec un film comme ça, 10 ou 20 ans plus tard, c’est une conversation différente. C’est un investissement.

Et il sera sur toutes les listes des grands films. C’est le genre de studio que j’aimerais diriger. Qualité, pas quantité. Le succès mesuré par la réception d’un film, plutôt que par les recettes. Bien sûr avec Train Dreams, nous n’avons pas à porter le succès ou l’échec des recettes au box-office car les streamers ne totalisent pas trop ce genre de choses ni ne les annoncent trop.

Comment vous sentez-vous à propos de ce que signifie que ce soit un film Netflix ?

Ma réponse à cela aurait été très différente il y a même 10 ans. En 2022, nous avons eu The Stranger qui est allé à Cannes. J’ai produit et agi dedans. Cela a été vendu à Netflix. Je me souviens à ce moment-là d’avoir pensé : “Ugh. Devrait-on demander un peu moins d’argent pour sortir au cinéma ?” Ce film a été numéro un dans plusieurs pays, et il a été numéro deux en Amérique pendant deux ou trois semaines sur la plateforme Netflix. Je me souviens avoir fait des calculs mentaux en me disant : “Cela signifie que des millions, des millions, des millions de personnes ont vu The Stranger qu’elles ne l’auraient jamais fait si nous l’avions sorti dans les cinémas à travers l’Amérique.”

L’autre chose est l’accessibilité. En une seule diffusion, tout le monde, ou du moins quiconque disposant d’une télévision et d’un compte Netflix, pouvait accéder au film — alors que les gens disent : “Oh, j’aimerais voir ce film, mais c’est à 200 miles de chez moi.” C’est l’accès, et c’est mettre des gens sur des sièges. Et je pense que Train Dreams est si personnel que si les gens sont assez patients pour le regarder chez eux, c’est une bonne occasion d’avoir une réflexion profonde et une conversation significative avec les personnes chères à côté de vous ou seul. C’est différent d’être assis dans une expérience commune. Et combien de temps cela resterait au cinéma ? Une à trois semaines, si vous avez de la chance.

L’autre jour dans un avion, j’ai été contraint de regarder quelque chose sur mon téléphone. Si l’histoire est bonne, ça fonctionne toujours. Est-ce que je conseillerais aux gens de regarder mes films sur un téléphone ? Non. Mais si c’est ça ou rien, et si l’histoire fonctionne, cela les touchera peu importe la taille de l’écran. Mais oui, j’ai 51 ans. Je souhaite toujours que le cinéma soit abondant, riche, vivant et aimé de tous.

Train Dreams sortira dans des salles choisies le 7 novembre, avant d’être diffusé sur Netflix à partir du 21 novembre.