Quand Lindsey Ryan a montré aux producteurs une première ébauche de son scénario pour Capsized #
Quand Lindsey Ryan a montré aux producteurs une première ébauche de son scénario pour Capsized, tout le monde était d’accord : elle devait être folle.
« Et c’est vrai, » rit la réalisatrice américaine lors d’un appel Zoom fin juillet. Nous faisons le point avant la première mondiale de son premier long-métrage dans l’un des festivals de cinéma les plus prestigieux de Grande-Bretagne à Édimbourg. Le poids de présenter un titre en compétition dans la capitale écossaise n’est pas perdu pour elle, même si elle admet que ce projet à haut risque (et à haute récompense) était tout un exploit. « J’ai littéralement fait toutes les choses que vous n’êtes pas censé faire, » continue-t-elle. « C’est presque un cliché de le dire. Mais j’avais un animal. J’avais des enfants. J’avais un bateau. J’ai désobéi aux lois du Dieu du Cinéma. »
Un voyage en bateau plein de revirements #
Si quelque chose, les Dieux du Cinéma soutenaient totalement Ryan et Capsized. L’histoire suit un voyage idyllique en houseboat bouleversé lorsque Diane (Lily Rabe) et ses cinq enfants (Sarah Catherine Hook de The White Lotus, Griffin Gluck, Eli D Goss, Ada Bland et Joan Stein) sont secoués par des révélations de difficultés financières gardées secrètes par le patriarche de la famille, Ray (Rhys Ifans). En mer et avec des vacances mouvementées devant eux, ils doivent lutter pour rester à flot, sur le plan émotionnel et financier — mais pas avant de participer à une compétition de pêche épique.
Tourné sur un vrai bateau en mer, avec des enfants contractés pour pas plus de quatre heures de tournage par jour et un hamster dangereusement petit à bord, certains cinéastes auraient pu être un peu intimidés par ce que Ryan et son équipe tentaient de réaliser. (Cela n’a certainement pas aidé que la Garde côtière surveillait chacun de leurs mouvements.) Mais si quelqu’un pouvait y arriver, Ryan — qui a grandi sur Long Island et savait conduire un bateau avant de pouvoir conduire une voiture — était le meilleur pari. « Je suis accidentellement devenue la cinéaste experte en bateau, » déclare-t-elle à THR, listant Les Dents de la mer et Gilligan’s Island parmi certaines de ses inspirations maritimes. « Le thème de la mer est très présent dans ma vie — je suis toujours appelée à cela. Je pense que le monde est tellement enchanteur. C’est une obsession. »
Une voix américaine qui capte l’originalité #
Capsized est un film indépendant américain rempli d’humour, de cœur et de nuances — si richement texturé que l’on peut presque goûter le sel de la mer — et, comme il se trouve, s’inscrit parfaitement dans la réputation d’Édimbourg pour dénicher de nouvelles voix fraîches et inventives. Ci-dessous, Ryan parle de la manière dont elle a attiré Ifans et Rabe à bord, pourquoi son antagoniste capture un sous-ensemble spécifique de la culture américaine, et comment l’état actuel de l’industrie cinématographique américaine ouvre la voie à des films audacieux et hors des sentiers battus : « Nous voulons des histoires qui soient à nouveau fraîches… et je pense que là où il y a une volonté, il y a un chemin. »
Votre dernier film, un court-métrage appelé Seasick, se déroule également à bord d’un bateau. Avez-vous un attachement personnel à ce cadre ? Avez-vous grandi sur la côte ?
Oui. C’est drôle. Je suis accidentellement devenue la cinéaste experte en bateau. (Rit.) Même dans mes premiers travaux, quand j’expérimentais et lorsque j’ai eu ma première caméra, chaque pièce que j’ai jamais créée se déroule sur un bateau au milieu de l’océan et chaque fois que je le fais, c’est dingue. Pourquoi ne pas simplement essayer quelque chose sur la terre ferme ? (Rit.) Et puis je me retrouve encore sur un bateau.
À lire Sandra Wollner sur le portage d’« Everytime » à Sarajevo
Mais j’ai grandi dans une grande famille de pêcheurs et d’où je viens sur Long Island, juste à l’extérieur de la ville, cela s’appelle la South Shore de Long Island. Donc j’ai toujours été sur la mer, toujours sur un bateau. J’étais matelot dans l’un de mes premiers jobs. Donc le thème de la mer est très présent dans ma vie, c’est sûr. Je travaille sur un autre grand projet qui, bien sûr, navigue sur la côte atlantique. Une histoire folle. C’est grand et excitant, mais j’aime tout ce qui concerne l’océan et les thèmes maritimes.
Pensez-vous que vous continuerez ce thème à travers votre filmographie ?
Je le crois. Je suis toujours appelée à cela. Je pense que le monde est tellement enchanteur. C’est une obsession. C’est totalement une obsession. J’ai des idées pour des projets qui ne se déroulent pas en milieu maritime, mais chaque fois que quelque chose sur la mer se présente, c’est toujours un projet qui me semble cher. Mais j’aime les films qui ont ces arrière-plans vraiment uniques et ensuite vous avez la chance d’explorer des personnages. Cela finit souvent par être une chose maritime pour moi, mais j’aime aussi les paysages désertiques. Des géographies environnementales vraiment uniques sont ce qui m’attire, c’est sûr, et l’eau étant probablement l’étoile du nord de tout cela.
Avec l’aimable autorisation d’EIFF
Quand vous perfectionniez votre art et travailliez à devenir cinéaste, qui ou quels projets ont été formatifs pour vous dans ce genre ?
Mon plus évident est Les Dents de la Mer. Ce film, pour moi, est perfection. J’aime Les Dents de la Mer avec une telle passion. C’est terrifiant, et je me rappelle d’avoir été tellement captivée. [Je me souviens] avoir regardé ce film jeune, avoir eu peur de l’eau à partir de ce moment-là, et être tombée amoureuse des textures de cela aussi — une communauté côtière, des personnages intéressants. C’est tout : rencontrer les personnages farfelus d’un lieu. Je pense à un autre. [Mutinerie à bord] j’ai vraiment adoré. Marlon Brando a fait quelque chose d’aussi intéressant dans ce film, et je me souviens avoir eu l’impression que sa performance était une nouvelle vague de performance pour les acteurs. Il a apporté quelque chose de contemporain à ce film autrement très théâtral. C’est une réponse un peu folle, mais Gilligan’s Island. Je reviens continuellement aux couleurs de cela, la manière dont cela semble surjoué et nostalgique et coincé sur une île. Je suis donc définitivement influencée par les grands films nautiques et tout ce début de Spielberg pour moi.
Ce doit être un véritable casse-tête logistique de tourner sur un bateau. Votre travail est-il rendu plus difficile sur le plan pratique ?
À lire Pourquoi Emily Watson ne quittera jamais Sarajevo
Je veux dire, j’ai appris à conduire un bateau avant de pouvoir conduire une voiture. J’ai la chance que des gens dans ma vie aient des bateaux et que je sois capable de savoir où je suis parce que je connais le bouée dont je parle. Je parle le langage de l’eau de manière si intéressante, et il ne fait aucun doute que cela a été un avantage extrême lors des prises de vue en mer. Parce que je suis super familière avec ce que cela va nécessiter. Mais cela pose un défi intéressant parce que vous vous retrouvez comme l’experte parmi votre équipe de tournage, et vous essayez de diriger et d’avoir vos nécessités créatives. Mais ensuite, avec Capsized, nous avions un coordinateur maritime, et ils étaient un bon partenaire, mais même ainsi, leur expérience manquait sur le plan cinématographique. Donc, il y a ce fossé intéressant que je trouvais toujours en train de combler, comme : « Oh les gars, nous ne pouvons pas tourner cette scène parce que l’eau est peu profonde ici. Donc nous avons deux minutes de temps avant de nous échouer. »
Il y a juste des choses que vous devez savoir sur les bateaux, et je sens que vous pourriez appliquer cette logique à n’importe quel artisanat ou passe-temps obscur. Même avec une familiarité avec les bateaux, les défis qui viennent de l’environnement toujours changeant sont vraiment difficiles — ajoutez des enfants et un casting d’ensemble à cela et c’est un niveau de difficulté supérieur.
Et dans Capsized, il n’y avait pas d’effets ou quoi que ce soit. Vous avez filmé à bord du bateau tout le temps ?
Le film entier a été pratiquement filmé, ce qui est assez important pour une première cinéaste — de pousser la prise de vue pratique. J’avais la meilleure équipe de production pour ce film, Paul Mezey et Sam Scolarici, Dan Janvey et nos autres producteurs aussi. Mais Paul et Sam étaient le meilleur duo à me laisser avoir la pensée la plus folle et à dire : « D’accord, voyons jusqu’où nous pouvons nous rapprocher de ce qui est dans l’esprit de cette personne folle. » Et pour moi, vous ne pouvez pas capturer la mer. La manière dont le soleil frappe le côté de votre bateau et crée une lumière dure, la manière dont il scintille sur l’eau… Il y a tant de choses à propos de cette expérience et des textures qui sont si importantes pour moi.
À lire Je vis à V.I., un film de satire sociale nigérian aux Portes Ouvertes de Locarno
Quand avez-vous su que cette histoire allait être votre premier long-métrage ?
J’étais juste là : « Bien sûr, je dois faire ce film. » J’ai connu des gens qui ont ces houseboats, et Long Island est un endroit si spécifique. Le patriarcat est très fort ici d’une manière très intéressante, et vous pouvez l’observer dans l’une des trois mariages. C’est comme une vieille pièce du tissu de la société qui peut continuer à porter à travers très fortement à Long Island. Je suis devenue obsédée par cette idée de ces femmes soutenant ces comportements fous, surtout ceux des pêcheurs, ce type rude et bourru. Ce qui m’a vraiment touchée, c’était juste de voir toutes ces femmes se battre ces batailles et la perspective féminine sur ce que cela signifie de réaliser que vous n’avez pas à [supporter] cela. Le cadre d’être sur un bateau et ce que cela fait à une histoire de dysfonction familiale… J’ai aimé l’idée de ne pas les laisser aller plus loin parce que vous êtes littéralement piégés dans la dernière phase de ce voyage ensemble.
Eh bien, l’une de mes questions concerne le personnage de Rhys et son mariage avec Lily. Il est complètement désinvolte à son égard, mais il y a ce curieux sentiment de gratitude qu’elle éprouve envers lui. Il y a un enfermement émotionnel tout autant qu’un physique.
Oui, et le coût de s’organiser autour de la gravité d’un seul individu. Je pense que cette dynamique est transférable dans tant de choses. Les amitiés ont cela de manière intéressante — peut-être qu’il y a cette personne dans un groupe d’amis [qui] peut simplement contrôler tout le monde dans la pièce parce que vous savez que vous évitez le conflit, ou que vous ne voulez pas vous occuper un peu de cette psyché.
Lily Rabe et Rhys Ifans font un travail incroyable. Ils sont tous les deux des acteurs incroyables. La manière dont ils réagissent l’un à l’autre et la façon dont Diane subit lentement cette métamorphose, grâce à l’aide de sa fille… Et être parent de son parent, c’était un grand thème pour moi aussi. Comme, quand vous devenez un adulte, c’est la première fois que vous voyez votre parent comme un adulte, et à quoi cela ressemble ? À quoi cela ressemble quand vous réalisez : « Oh, mon parent est une personne faillible et je ne l’ai jamais réalisé. » Comment cela vous façonne-t-il ?
Et Ray est l’antagoniste de ce film, mais je suppose que ce qui se passe avec ces hommes, c’est qu’ils sont aussi charmants et charismatiques. À la fin, est-il un homme sans rédemption ? Peut-être pas. Comment vouliez-vous encadrer cela ?
C’est une observation très perspicace parce que c’est exactement ce que j’avais prévu. C’était une chose vraiment, vraiment délicate à naviguer aussi parce que vous calibrez constamment autant de personnages, et lorsque vous avez un antagoniste, trouver cet équilibre, entre le moment où nous l’apprécions et le moment où nous le supportons [est difficile]. Il s’agissait de trouver ces moments, comme lorsque Ray agit comme Ray et qu’il leur trouve un moyen d’être dans ce beau yacht club et de profiter de ces vacances, puis le même jour il fait tout sauter et ils doivent partir. Ray est son propre pire ennemi dans chaque situation. Et je pense que la dualité de ce film est que ce n’est pas noir et blanc. Il n’est pas totalement bon et il n’est pas totalement mauvais, et je pense que vous pouvez sentir ce fil dans chaque interaction avec Ray. Vous êtes juste en train de le soutenir, et puis il fait le coup de Ray, et vous êtes là : « Mon dieu, allez ! »
Publicité
C’est un véritable témoignage de la performance de Rhys aussi. Comment avez-vous réuni un si merveilleux casting, et comment cela peut-il propulser un cinéaste débutant ?
Nous avons eu vraiment de la chance d’avoir une incroyable directrice de casting, Susan Shopmaker, et ma partenaire créative en production, Sam. Nous sommes ensemble dans la vie aussi, donc c’est un bon équilibre : son cerveau comprend mon cerveau si profondément. Je pense que nous avions vu Rhys dans quelques choses. Nous feltions simplement qu’il avait cette capacité à être si charmant, puis à changer de ton en un clin d’œil. Et il y avait quelque chose de si vivant dans tout ce qu’il fait en tant qu’acteur. Parce que Ray pourrait être très unidimensionnel entre de mauvaises mains, et je pense que la capacité de Rhys à être si complexe est ce qui nous a immédiatement fait penser : c’est lui notre homme et nous espérions vraiment qu’il se connecte au scénario, parce que tout le monde ne veut pas jouer le méchant. Il a fait un choix courageux en le faisant et a vraiment fait un travail incroyable. Comme, il est gallois. Il fait un accent américain incroyable. Il sonne exactement comme cette partie de Long Island.
Lily Rabe, je suis fan d’elle depuis si longtemps. Elle dégage tant de pathos dans ses performances. Elle peut donner un regard qui dit tout, et j’étais super intéressée par cela parce que Diane est un personnage qui a été réduit au silence. Diane est un personnage qui a mis de côté ses propres besoins pour tous les autres autour d’elle, et je pense que Lily a cette capacité à juste compartimenter une performance, puis à trouver une force sans pareille. Je savais juste que Lily allait être la personne qui, encore une fois, pourrait naviguer dans ces différents hémisphères du personnage, et je pensais qu’ensemble ils seraient simplement électrisants avec leurs antécédents théâtraux. Et, bien sûr, ils l’étaient.
Ça a dû être assez délicat de tourner avec des enfants. Beaucoup de formulaires de santé et de sécurité remplis…
C’était difficile. C’est drôle parce que quand nous avons présenté le scénario à des gens dans les premières étapes, les gens disaient : « Oh, c’est vraiment fou. Vous êtes folle. » (Rit.) Et c’est vrai. J’ai littéralement fait toutes les choses que vous n’êtes pas censé faire, et c’est presque un cliché de le dire. Mais j’avais un animal. J’avais des enfants. J’avais un bateau. J’ai désobéi aux lois des Dieux du Cinéma. Ce qui était vraiment challengeant, c’est que nous ne pouvions avoir les enfants que pendant quatre heures par jour, et les enfants étaient presque dans chaque scène. Et le bateau sur lequel nous avons tourné pratiquement. Il n’y a pas de murs amovibles, donc c’était un vrai défi [de savoir] comment nous allons connecter la géographie de l’espace quand je manque la moitié de mon casting. Vous devez être inventif.
Et ajoutez en plus la complication que vous êtes au milieu de l’océan et qu’il faut 40 minutes pour rejoindre la terre. Comme, nous ne pouvons pas les déposer. C’était très, très, très délicat. Et notre département Assistant de Direction a fait un excellent travail de coordination… C’était comme un puzzle à assembler et c’était fou, mais je pense que cela a créé un rythme intéressant pour le film qui le rendait amusant et excitant. Ce défi a tenu tout le monde sur ses gardes un peu et aussi fou que cela puisse sembler, je le ferais encore.
Je ne peux même pas imaginer combien de travail cela a demandé. Je pense que cette énergie se traduit, et pour tous les défauts de Ray, c’est un film optimiste. Essayiez-vous de dépeindre un côté différent de l’Amérique ?
C’est intéressant parce que le personnage de Ray représente [un aspect] d’une sous-culture en Amérique. Je pense que [le film] commente l’insécurité financière et il est presque une caricature de ce type d’homme aux États-Unis. Encore une fois, j’ai connu tant de ces hommes, c’est pourquoi il porte le costume de tout cela. Et dans l’optimisme de Ray se trouve aussi une grande partie de la raison pour laquelle il est si problématique. Donc c’est une question difficile à répondre sur ce front, juste parce que je sens que la politique américaine en ce moment est un tel désastre. Je suis une personne fondamentalement optimiste, et je pense que Ray n’apprend pas nécessairement la leçon que je pense que nous devons apprendre en tant que société, aux États-Unis — à savoir que l’argent n’est pas nécessairement tout. Je pense que Ray, toujours sur le bateau à la fin, est presque cet idéal obstiné.
Édimbourg est un si excellent véhicule pour les cinéastes émergents. Êtes-vous déjà venue ? Êtes-vous excitée ?
Je me sens tellement reconnaissante. Dans un monde où nous sommes tous en concurrence pour que nos films soient vus, réalisés, entendus et regardés, c’est un honneur immense car je suis une grande fan des types de films qui ont été programmés à Édimbourg historiquement, et je pense que la programmation cette année semble incroyablement forte — ce qui m’inquiète un peu — et c’est bien sûr stressant de premier un film comme celui-ci au Royaume-Uni. Je suis curieuse de la réception car elle capture l’Amérique. C’est une indie américaine, à bien des égards.
Vous sentez-vous optimiste quant à l’avenir du cinéma indépendant aux États-Unis ?
Oui. C’est très difficile en ce moment car nous subissons une transformation massive du cinéma indépendant. Je pense que c’est là que se trouvent les douleurs de croissance. Je pense que tout le monde réagit à quelque chose qui change en temps réel sous nos pieds, et il est difficile d’avancer lorsque personne ne sait dans quelle direction nous allons. Personne ne sait ce qui se déroule en ce moment, et je pense que cela peut mener à beaucoup de pessimisme, de frustration et de confusion, ce que je ressens certainement. Il doit y avoir des changements significatifs dans la manière dont nous faisons connaître les films indépendants et la façon dont nous pouvons atteindre les publics. Parce que je pense que le pipeline de distribution est vraiment, vraiment cassé, et les festivals nous donnent tous la chance d’atteindre cela. Mais même cela devient très difficile… Et comment, en tant que société, trier tant de voix talentueuses ?
Je me sens toujours super optimiste quant au cinéma indépendant. Ce qui se passe avec Backrooms et Obsession, je sais que tout le monde pointe cela, et je pense que c’est juste un bon exemple de ce que nous voulons, ce sont des histoires qui soient fraîches à nouveau. Je ne dis pas qu’il faut faire une tonne d’horreurs car je pense que c’est la prochaine étape évidente. (Rit.) L’industrie essaie de suivre la tendance et retombe dans le même piège. Mais nous entrons dans ce qui semble être un âge d’or et même si cela pourrait être vraiment difficile de lever des fonds et de trouver des partenaires et des parties prenantes qui croient vraiment en vous, je pense que là où il y a une volonté, il y a un moyen. Les gens veulent toujours faire de l’art et les gens veulent toujours faire partie de quelque chose — maintenant plus que jamais — qui peut communiquer quelque chose à la société, aux gens, au public. Nous avons faim d’être vus à nouveau.
Cette interview a été abrégée et éditée pour plus de clarté. Le Edinburgh International Film Festival 2026 se déroule du 13 au 19 août.
