Conversations sur la création de House of Dynamite #
Enregistrée lors du Festival du Film Camerimage en Pologne, cette conversation de THR Presents avec le directeur de la photographie Barry Ackroyd offre un aperçu rare de la manière dont House of Dynamite de Kathryn Bigelow — maintenant sur Netflix — atteint son intensité en temps réel implacable. Parlant avec le responsable du bureau européen de THR, Scott Roxborough, Ackroyd a retracé le langage visuel du thriller sur la crise nucléaire jusqu’aux instincts documentaires qui ont façonné sa carrière de plusieurs décennies.
L’approche cinématographique de Kathryn Bigelow #
Ackroyd, qui avait déjà travaillé avec Bigelow sur des drames intenses et à enjeux élevés comme The Hurt Locker et Detroit, a discuté de leur approche commune — que Bigelow appelle une « approche journalistique du cinéma » — qui était essentielle pour capturer cette « histoire terriblement plausible ». Ackroyd considère son travail de la même manière, notant que son style ne vise pas à être « beau pour le plaisir », mais plutôt à être authentique.
Intensité et réalisme dans la narration #
L’intensité du film découle largement de son prémisse : un missile nucléaire est dans les airs, ciblant une ville du continent américain, laissant aux responsables gouvernementaux et de sécurité seulement 18 minutes pour décider qui en est responsable et comment répondre. Cette tension est capturée à travers le style viscéral, informé par le documentaire d’Ackroyd, agrémenté d’une caméra à la main et dynamique. Ackroyd a expliqué : « Mon approche est beaucoup plus comme de répondre à ce qui se passe dans la situation. » Il a noté que l’intensité dans la première section provient de la réponse au « niveau d’anxiété » sous le calme professionnel des jeunes militaires.
Un défi majeur fut la reconstruction méticuleuse des bunkers de la Maison Blanche et des centres de contrôle militaire dans des studios du New Jersey. Étant souvent des lieux sécurisés sans lumière naturelle, les intérieurs qui en ont résulté n’étaient pas « visuellement attrayants ». L’équipe devait cependant embrasser cette réalité. « Par le passé, j’ai entendu une description du style de réalisation comme étant soit ordinaire, laid, beau ou simplement beau », a déclaré Ackroyd. « Laid et beau est bon pour moi, car cela semble réel. » Cet engagement envers le réalisme est une extension de son travail le plus ancien : des documentaires qu’il a filmés au début de sa carrière, à sa collaboration de près de deux décennies avec Ken Loach (sur des films tels que Riff-Raff (1991), Sweet Sixteen (2002) et The Wind That Shakes the Barley (2006)) et des films fréquents comme United 93 (2006) et Captain Phillips (2013) avec Paul Greengrass. « Je pense que cela vient dès le début de mon parcours documentaire jusqu’à ce que nous filmons aujourd’hui. Et, vous savez, visuellement, il y a tant de similitudes. »
La structure unique du film, qui rejoue la même situation, les « 18 minutes », trois fois sous différents angles, nécessitait un équipement multi-caméras. Cela permettait d’obtenir « plusieurs perspectives de l’événement » tout en donnant aux acteurs la liberté de se déplacer sans être contraints. Les caméras devaient suivre l’action, sans l’anticiper. « Tout le monde se concentre à l’intérieur de la scène de force et sur la caméra », déclare Ackroyd.
Quant à la célèbre fin ouverte du film, Ackroyd a défendu ce choix artistique. « Cela met la décision dans votre main, d’une certaine manière, vous êtes le président, ou vous êtes la personne qui prendra la décision finale. C’est à vous maintenant. »
Cette édition de THR Presents a été parrainée par Netflix.
