Daniel Day-Lewis revient dans un sombre drame familial

Une Émergence Magnifique #

La première chose à noter à propos de Anemone est qu’elle marque une magnifique émergence de huit ans de retraite pour le grand Daniel Day-Lewis, qui s’est éloigné de la scène après le magnifique film de chambre de 2017, Phantom Thread. Paraissant mince et en forme, avec une chevelure argentée et une épaisse moustache de morse qui pourrait faire pâlir Sam Elliott, l’intensité magnétique du triple oscarisé reste intacte. Jouant un homme taciturne et pensif vivant en exil volontaire depuis deux décennies, la performance robuste de Day-Lewis apporte un semblant de poids narratif à un drame qui en manque autrement.

Une Collaboration Paternelle #

Coécrit par l’acteur avec son fils Ronan Day-Lewis, qui fait ses débuts en tant que réalisateur de long métrage, Anemone montre un jeune cinéaste avec un sens visuel audacieusement texturé et un œil aiguisé pour la composition. Les images saisissantes en grand format du directeur de la photographie Ben Fordesman, mettant en avant les paysages du Nord de l’Angleterre et les bois denses, créent une toile impressionnante, même si l’histoire énigmatique devient écrasée par ces lieux physiques.

Thèmes Familiaux Troublants #

Focus Features sortira cette production de Plan B Entertainment en octobre, à la suite de sa première mondiale en tant que sélection Spotlight au Festival du Film de New York.

Le traumatisme intergénérationnel devient rapidement le thème le plus exploité du cinéma indépendant du XXIe siècle, juste après le voyage de la découverte de soi. Malgré la spécificité politique de l’histoire familiale déterrée ici, le scénario présume d’un niveau de profondeur qui n’existe pas dans les silences pesants et les montages flous du film. On sent le réalisateur s’efforcer d’atteindre la poésie dans les scènes de clôture qui pointent vers une éventuelle réconciliation, mais le drame reste peu touchant.

Ray Stoker (Day-Lewis Sr.) vit en ermite dans une cabine primitive au cœur des bois depuis 20 ans, chassant, cuisinant sur un poêle à bois, lavant ses vêtements dans l’eau d’une rivière voisine et courant pour rester en forme. Le seul signe qu’il a fait de cet endroit isolé un foyer, au-delà des essentiels, est une touffe de délicates fleurs blanches qui donnent leur titre au film, révélées plus tard comme étant la même fleur cultivée par son père.

La solitude de Ray est interrompue par l’arrivée inattendue de son frère Jem (Sean Bean), qu’il accueille sans chaleur, utilisant plus de grognements et de gestes que de mots réels. Bien que Ray semble éloigné de toute sensation de spiritualité, Jem est un homme profondément religieux, comme le témoignent les mots « Seul Dieu peut me juger » tatoués sur ses épaules alors qu’il prie pour obtenir la force d’affronter les tâches à venir. Jem apporte une lettre de sa partenaire Nessa (Samantha Morton), décrivant une crise familiale avec leur fils Brian (Samuel Bottomley), dont les jointures ensanglantées indiquent une nature violente qui a conduit à son retrait.

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Dès le début, la dynamique familiale tourmentée devient claire, expliquant les raisons de Nessa pour se tourner vers Ray pour de l’aide. Cependant, le scénario rejette des lignes narratives claires, comme si retenir ses vérités conférerait plus de complexité à l’histoire épurée.

Cela paie en partie parce que Day-Lewis est une présence si fascinante, le comportement bourru de Ray et ses communications succinctes laissant entrevoir des mystères sombres à découvrir. Mais bien que Bean soit un acteur fort, son rôle est principalement réactif, créant un déséquilibre dans les scènes à deux personnages qui dominent le film, et une légère sensation de théâtralité dans une structure construite autour de monologues chargés.

Certes, certains de ces monologues sont percutants, notamment le récit vivant de Ray sur sa vengeance — réelle ou fabriquée — contre le prêtre qui l’a abusé sexuellement dans son enfance. Les mentions du père disciplinant de Ray et Jem pointent vers un environnement correspondant de violence physique à la maison. Il apparaît que les frères ont servi dans différentes branches de l’armée britannique pendant le conflit nord-irlandais, et l’expérience directe de Ray avec la violence de l’IRA l’a laissé psychologiquement marqué.

Morton a des moments de vulnérabilité émouvante en tant que mère marquée par le temps de Brian, dont l’histoire avec Ray lui fait craindre que son fils puisse emprunter un chemin tout aussi sombre. Bottomley joue le jeune homme blessé et en colère avec conviction, mais le scénario ne lui donne jamais assez d’épaisseur pour faire de Brian autre chose qu’une simple victime générique d’une famille troublée. Anemone s’avère trop distant pour susciter beaucoup d’implication émotionnelle de la part de quiconque.

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La gestion par le réalisateur des visions mystiques qui hantent Ray est moins que fluide, mais son acceptation des forces élémentaires est efficace, en particulier une tempête de grêle d’une ampleur presque biblique qui se révèle cathartique. L’enrichissement étendu d’une bande-son de Bobby Krlic (le musicien anglais qui enregistre sous le nom de Haxan Cloak), teinté de synthétiseurs sombres et de guitare, correspond au ton mais contribue également au sentiment lancinant que la narration du jeune Day-Lewis confond souvent gonflement et atmosphère.

Ce qui persiste alors que les crédits de fin défilent, c’est le noble visage de Daniel Day-Lewis — plein de chagrin, de ressentiment, de culpabilité et de honte, émotions que Ray passe une grande partie de l’action à masquer sous une indifférence dure. Quelle que soit les lacunes du film, il est réjouissant d’avoir ce géant qu’est cet acteur de retour sur un écran de cinéma, espérons la prochaine fois avec un scénario plus solidement élaboré.